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介绍

一、中国美术史的研究对象

研究中国艺术史的目的是为了让我们全面了解中华民族的视觉文化史和艺术遗产; 了解我们悠久、独特、多彩的优秀民族文化。 在掌握我们民族审美史的基础上,我们可以体会到我们民族自古以来所具有的开放思想、创造精神和文化自信。 我们从中国艺术史的研究中反思我们的审美文化和视觉体验,并不断从理论的角度提升我们的认识。 这将激发我们的艺术想象力和创造力,提高我们的审美修养,积极改造世界,让世界人民更加深刻地认识中华民族的独特性和多样性。 学习中国艺术史是一个好的开始。

中国美术史就是中国美术发生和发展的历史。 中国艺术史不仅是中国历史上的艺术,而且是中国艺术史。 因此,考察中国艺术史,一方面要立足于现代中国的版图,另一方面也要立足于传统中国的版图。 这意味着中国艺术史在时间和空间上都是复杂的。

中国艺术史是一部多元文化的艺术史,也是一部近代中国汉族及其他少数民族共同的艺术史。 历史上,中国艺术充分发展了民族文化的多样性和融合性。 中国艺术还包括一些外国艺术家在中国的贡献。

美术并不是一个由来已久的中国传统概念。 这个概念来自现代日本对欧洲美术的借鉴。 本义是指建筑、绘画和雕塑,以区别于音乐、舞蹈、电影和戏剧。 但西方的艺术观念并不包括中国的书法艺术。

中国艺术史就是中国艺术文化史,这当然是广义上的。 因此,中国艺术文化就成为广义的中国艺术史的研究对象。 首先,从传统美术史学家的角度来看,中国美术史就是中国美术作品的历史。 按照传统的艺术概念,它包括绘画、雕塑、建筑、书法。 尤其是最后一类,堪称中国艺术史上最独特的历史存在,甚至影响了东亚的朝鲜半岛和日本,甚至更远的欧洲。 区域。 其次,中国艺术史就是与艺术作品有关的人民的历史。 还需要研究创作这些艺术品的艺术家和工匠群体、艺术品的收藏者和管理者、艺术品的评论家和观众以及上述群体。 他们因其社会环境、阶级关系、思想观念、宗教信仰、风俗习惯等精神环境因素而具有不同的社会地位和经济地位。 有必要审视这些因素与艺术作品之间的互动关系。 最后,中国艺术史也是一部艺术制度史、运行机制史以及支配这些制度机制的意识形态史。 宫廷画院的历史组织、民间工匠制度、艺术品市场、艺术品的区域和国际贸易、收藏机制、展览活动和出版活动等,构成了更加复杂多变的文化景观。 涉及政治、经济、文化等多种因素,对艺术文化的立体理解和还原有着积极的作用。 因此,中国艺术史就是一部多种关系相互作用的文化史。

如上所述,艺术作品的历史就是自然绘画(岩画、壁画、卷轴画、版画、陶瓷画)的历史,雕塑(石雕、木雕、泥塑、金属铸件及其他雕刻品)的历史。材料)和建筑史。 (城市、聚落、宫殿、寺庙、园林、石窟、墓葬等)、书法史(碑刻、墨书、楼阁碑刻、拓片等)。 即使按照传统的分类方法,中国绘画的历史也是非常丰富的。 在中国,卷轴画及屏风、册页、扇面等类似绘画常被视为“纯画”,而战国及汉初时期也流行帛画、漆画。 明清时期,欧洲传教士将油画、铜版画的创作方法传入中国。 近代以来,西方绘画以水彩、水粉、素描、素描等形式丰富了中国绘画的现有类型。 艺术史的门类也数不胜数,如各种版本的《中国绘画史》、多位中外学者合着的《中国绘画三千年》、王子云的《中国雕塑史》、梁思成的《中国建筑史》、王伯民的《中国版画史》、薛永年的《金唐宋元画史》、王树存的《中国年画史》等,都是关于20世纪中国艺术不同门类的综合历史著作。

同时,中国艺术史可按文化功能分类,包括巫术艺术史、礼仪艺术史、宗教艺术史、宫廷艺术史、文人艺术史、民间艺术史等。 同时还衍生出中国艺术教育史、中国艺术市场史、中国艺术传播史和中外艺术交流史。 跨学科研究拓展了艺术文化的边界。 1929年郑昌所著的《中国绘画通史》将中国绘画史分为四个时期:“实用时期”、“仪式时期”、“宗教时期”和“文学时期”,分别是:对应原始、夏至汉、魏晋至唐五朝、宋至清四大历史时期。 不同的视角带来不同的理解结果。 根据时间的线索,产生了各种按时间顺序排列的艺术史,如石器时代的艺术史、青铜器时代的艺术史(又称“商周艺术史”)、古代艺术史等。秦汉、魏晋南北朝美术史、隋唐美术史。 、辽、宋、金、元五朝美术史(又称“宋元美术史”)、明清美术史、中国近代美术史和近代美术史(又称“宋元美术史”)被誉为《20世纪中国美术史》)。 朱洁勤的《秦汉美术史》和滕固的《唐宋绘画史》都是这种性质的年代史。 卢浮生的《中国文人画史》和单国强、赵静的《明代宫廷绘画史》从专业的功能角度审视中国美术史。 中国人物画、山水画、花鸟画的许多历史著作都是以绘画题材为中心的。 金维诺、罗世平合着的《中国宗教艺术史》和吴宏的《黄泉下的艺术》分别对应宗教艺术和墓葬艺术。

无论是艺术家、收藏家、评论家还是观众,根据身份的不同,人们可以分为精英阶层和平民阶层。 古代的帝王、贵族、僧侣、文人、隐士都属于以前的阶级,从而形成了历史上的中国艺术的精英文化,现代的资产阶级或者中产阶级的艺术仍然属于精英文化,尽管那时平民艺术已经出现。 1949年以后的社会主义改造后,老百姓或群众被赋予了一个新的概念——“人民”。 人民艺术成为新的主题,人民成为创作和欣赏的主体。 纵观历史,艺术创作者、观众、批评家和收藏家的阶级、性别、种族、信仰、民族国家等社会身份一直是解读艺术作品和艺术现象的重要手段之一。

二、中国美术史的总体脉络

我们用马克思主义社会史研究和社会认同来审视艺术创作者、观赏者、收藏者和批评家的历史线索,串联艺术作品的思想观念、社会功能和风格变迁。 我们倾向于把中国的艺术史分为“史前时期”和“历史时期”。 “历史时期”分为三个阶段。

2.1. 史前时期

这是中国艺术全面萌芽的时期。 这个时期就是我们通常所说的“原始艺术”。 这个时候还没有“纯艺术”的概念。 经济形式主要是游牧、狩猎、采集。 后来出现了农业,但原始宗教早已进入了艺术作品。 绘画、雕塑、建筑已经出现,但由于文字还没有被系统地创造出来,所以还没有出现一种可以称为书法的艺术形式。 除少数用于车身装饰的作品外,基本上都是功能明确的实用物品。 房屋建筑和墓地建筑都很简单。 绘画和雕塑都是早期的形式。 自 19 世纪以来,这些作品就被解释为与当时的巫术、政治和日常生活直接相关。 彩陶艺术在中国黄河流域高度发达,与欧亚大陆的原始文化有着明显的联系。 纹饰保持了天然材质的特点,彩陶图案以动物、植物和抽象图案为主。 长江中下游东南沿海地区,常见无色素陶和几何印花陶。 我国东北地区和北方草原地区,以彩陶为主要类型,广泛使用细炻器。 与此同时,这一时期还出现了祭祀现象和原始信仰。 事实上,史前时期的艺术非常多样化,这与部落、信仰和地区的复杂性有关。

2.2. 历史时期

2.2.1. 第一阶段

从夏朝到晚唐,是中国贵族政治的时代,而从魏晋南北朝到隋唐,则是贵族政治的鼎盛时期。 主流艺术是贵族艺术或为贵族服务的艺术。 这一阶段分为早期和晚期两个时期。

早期(夏至秦汉)

这一阶段早期艺术的主要题材是巫术艺术和政治艺术(伦理艺术或礼仪艺术)。 商周至秦汉时期的城市、宫殿建筑、墓葬建筑都非常宏伟。 规模建筑和大型雕塑达到了新的水平。 马克思主义历史学家郭沫若认为,中国社会从夏朝到春秋时期是奴隶社会,从战国时期到清末是封建社会。 “魏晋封建”学者认为,中国封建社会始于魏晋南北朝。 此时,象征礼乐制度的青铜艺术和漆器艺术达到了前所未有的高度。 陶俑的艺术制作规模及其在墓葬中占据的巨大空间,以秦始皇兵马俑为代表。 城市的规模是无与伦比的。 以秦代咸阳、汉代长安、洛阳城为代表。

后期(魏晋南北朝至隋唐)

魏晋以来,中国艺术进入了宗教艺术的繁荣时期。 大型佛教石窟的开凿,成为最独特的人文景观。 墓葬艺术仍然表达着人们复杂的生死观念。 同时,宫廷和贵族的宗教艺术和世俗艺术以写实雕塑和绘画为主,延续了早期的写实传统。 皇帝和贵族的肖像相当普遍,这种形式一直延续到清代的宫廷艺术中。 历史画和英雄画也很受欢迎。 唐代墓葬壁画、卷轴画以及大量陪葬陶俑中,都出现了来自域外和本地的“胡人”形象。 比以前的南北朝时期更为普遍。 贵族妇女的地位提高了,唐代绘画中出现了享乐的仕女。 这一时期还涌现了杰出的女书法家,如晋代的魏硕(魏夫人)、唐代的武则天等。 魏晋南北朝时期,山水画、花鸟画虽然还不是主流形式,但已在世俗艺术和宗教艺术中发挥了重要的装饰作用。 到唐代中后期,出现了独立的山水画、花鸟画。 它们不仅出现在卷轴画中,而且在殿堂、石窟、墓葬等建筑空间中也具有相对独立的意义。 这为后来的山水画和宋元画奠定了基础。 为花鸟画的主流化奠定了基础。 魏晋南北朝被认为是纯艺术高度发展的时期,世俗艺术与宗教艺术并行发展。 卷轴画、屏风画的形式赋予了绘画独立作品的概念,艺术欣赏也变得比以前更加集中。 书法艺术开始独立、广泛地进入精英人士的日常生活。 艺术批评的专业化尤为明显。 出现了与绘画创作、欣赏直接相关的艺术理论著作,如谢何的《画》。 同样的事情也发生在书法领域,书法批评开始流行。

从魏晋到隋唐,以前的社会性质延续着,传统贵族和新兴贵族仍然是社会的统治阶级。 唐末,平民地主的地位不断上升。 根据一些学者的观点,五朝十国时期(907-960)是中国封建社会的分界点。 之前是贵族政治,之后是平民政治; 前有军人世家,后有书香世家。 相同的观点早在湖南内藤的“唐宋转型说”(也称“内藤假说”)中就已提出。 有历史学家指出:“五朝十国表面混乱,实质变化”。 但在此之前,中国政治长期由文武双全的贵族集团主导。 纵观东晋的优秀书法家,大多出身于有文化的武学世家,如河东魏氏、琅琊王氏、高平奚氏、颍川于氏等。 有些书法家本身甚至是军官。 出身贵族,文武兼备,是晋唐时期书画家的普遍现象。 从史料记载来看,晋唐时期的书画家大多是当时的皇帝和贵族。 兼善书画的皇帝有金明帝、宋孝武帝、梁元帝、唐太宗、唐玄宗。 大型石窟也由王室贵族资助,上层精英主导了艺术文化。

人物画和人物雕塑是这一时期最有成就的。 从东晋的顾恺之,到唐代的吴道子、张悬、周昉,都是人物画家的杰出代表。 从某种意义上说,晋唐时期是中国人物画的“古典时代”。 这也是山水画、花鸟画成为独立绘画的时代。

2.2.2. 第二阶段

宋代至清末,形成了艺术发展的新阶段。 经过五朝十国的政权更迭和战乱,传统贵族政治受到很大冲击,佛教在晚唐武宗灭佛后也遭受重创。 贵族制基本上结束了。 科举制度起源于隋朝,经过唐代的具体实践,在宋代成为比较完整的制度,成为选拔官员的主要方式。 北宋结束了中国长期存在的“军政”,进入了士大夫政治和平民政治的历史时期。 这一时期是手工印刷的时期,手写书籍仍然存在。 印刷术不仅为科举考试提供了学习资源,也为书法的传播做出了贡献。 朝廷刻有“淳化阁帖”(992年)。 )和私刻的《包金斋法帖》(米芾,12世纪)发挥了重要作用。 这种传统持续了很长一段时间,直到现代印刷字帖的流行结束。 1747年,乾隆皇帝命民政尚书梁士正、户部尚书姜普等人出版了《三希堂法谱》。 从北宋到清代,亭刻或法碑是当地中小地主子弟学习书法的基本资源。 此外,历代碑刻拓片也为学习书法提供了帮助。 金石学的兴起,使早期碑刻成为书法家的学习对象,碑拓成为除墨本、亭书之外的重要书法教材。 版画作为唐代就已出现的绘画形式,到了宋代才开始具有独特的意义。

科举产生的一大批进士群体和文人群体日益成为艺术创作和欣赏的主要主体。 进士群体因政治变迁而分为上层精英和地方精英。 他们不再满足于政治、文学上的成功,逐渐在书画领域获得文化权利。 他们全面投身于传统贵族长期占据的文化领域。 由此,产生了文人书法、文人画以及文人书画理论。 进士派和文官派中的苏轼、米芾就是这样的代表。 文人书画更注重个性的表达和风格的创新。 与当时宫廷艺术的价值观和表现方式明显不同。 这也导致了中国艺术中独特的“写意”(绘画)和“尚艺”(书法)方法的广泛流行,使得隋唐时期的“写实”(绘画)和“尚法”(书法)方法朝代流行于未来。 它已不再是主流方法,仅在宫廷艺术和复古艺术中流行。

虽然文人艺术代表了这一时期艺术的新特点,但宫廷艺术仍然保留和革新了以往贵族文化的趣味和传统。 宫廷艺术体系较为发达,尤其是绘画学院的组织以及与建筑、陶瓷、雕塑相关的官方机构。 宋代画院制度起源于五朝时期南唐、西蜀地方政府的画院制度。 有学者还从唐代的官方机构中找到了雏形。 这种制度和组织一直持续到清朝灭亡。 宫廷艺术的最高成就仍体现在城市规划、宫殿陵墓建筑、寺庙壁画、宫廷绘画、官窑瓷器等方面。晋唐贵族解体后,皇宫成为值得收藏的艺术收藏机构。最受关注的是规模和质量。 这在宋、元、清时期最为突出。 宋徽宗赵佶(1082-1​​135)和清高宗弘历(1711-1799)都是艺术家和收藏家。 这些收藏活动催生了两套收藏作品——宋代的《宣和画册》和清代的《石渠宝稷》和《秘宫珍珠林》。 私人收藏活动也相当活跃。 宋代的米芾、王沉、周密等,元代的大昌公主,明代的沈周、文征明、王士祯、向元汴、董其昌等,以及梁清标、安清代齐氏等。 他们都是伟大的收藏家。 这些私人收藏活动与艺术品市场密切相关。 元、明、清时期,首都北京、南京,以及杭州、苏州、扬州等地方繁华城市,都有活跃的艺术市场。

宋元时期海上贸易相当活跃,与朝鲜半岛、日本、阿拉伯半岛的艺术交流联系日益密切。 来自中国东南部的佛教艺术至今仍对东亚地区产生影响。 由于蒙古帝国对世界范围的征服,波斯、印度的“细密画”都带有中国元素。

2.2.3. 第三阶段

20世纪上半叶的清末民国是中国艺术的近代时期。 这一时期,中国社会正处于大动荡、大变革时期。 这一时期,艺术完成了从传统到现代的转变。 1905年,科举废除,传统士大夫、公务员的制度化、规模化生产机制结束。 1911年辛亥革命后,中国的帝制结束,中国逐渐进入文官政治时代。 资产阶级民主革命的最终目标是建立“中华民国”,而不是重建“中华帝国”。 马克思主义在中国的传播和左翼文化的兴起对中国的艺术创作产生了巨大的影响。 在革命和战争时期,版画因其制作方便、传播广泛而发挥着特殊的社会作用。 鲁迅有力地推动了中国的版画运动。 机器印刷逐渐取代并最终完全取代手工印刷,成为阅读、传播知识和图像的主流形式。 艺术书刊杂志的规模充分满足了大众的审美需求,各类画册实现了从黑白到彩色的技术变革。

大规模的平民艺术教育从根本上改变了传统贵族和封建中小地主的艺术教育性质和方式,让更多的平民百姓接受了现代艺术教育。 这种教育模式来自欧洲、美国和日本。 后来他受到苏联艺术教育的影响。 现代艺术教育的建立,为新时代培养了大批新型艺术工作者。 出版艺术史、艺术造型专业讲座和教材。 由于受教育群体的扩大,公众中专业和业余艺术创作者的规模在中国历史上是前所未有的。

过去的宗教艺术和贵族艺术不再是新时代的主题。 平民或人民视角下的现实生活和历史想象逐渐成为新时代的主题,战争和政治运动也参与其中。 表达传统文人价值观的山水画、花鸟画的旧形式已得到显着改造,以满足大众的观赏需求。 清初以“四王”(王时敏、王鉴、王元期、王翚)为代表的写意画开始受到质疑甚至批评。 新的文艺思潮常常把旧时代的文人画斥为落后的封建文化。 现实主义艺术被广泛提倡。 一方面开始关注欧洲现实主义传统,同时也开始复兴中国古代现实主义传统。 马克思文学理论中的现实主义开始对中国现代艺术创作产生重要影响。 农民、工人和士兵的形象出现在不同形式的艺术中。 修建了公共广场、公园和纪念碑。

艺术媒体,尤其是艺术杂志和书籍,比以往任何时候都更加活跃。 报纸和插图杂志的艺术版面发挥了特殊的作用。 出版和传播了系统的艺术史著作。 专业艺术评论家可以发表文章并公开辩论。 相当数量的欧洲、美国、俄罗斯、日本的艺术专着被翻译传入中国,产生了广泛的影响。

皇家艺术收藏和民间艺术创作向公众开放,艺术进入公共领域。 1914年,位于紫禁城内的“古物陈列馆”首次向公众展示清代宫廷藏品。 1935年,“国际中国美术展览会”在英国伦敦举办。 这是中国首次在海外正式举办的中国文物展览。 这是一次有17个国家和众多私人收藏家参加的大型展览。 这次展览重塑了中国及其艺术的形象,并初步改变了西方对中国艺术的看法。 真正的变化发生在1949年后。

三、中国美术史研究方法

从现有的马克思主义对文艺的认识中,我们可以得到这样的认识:艺术和艺术流派的产生和发展,从风格到个性,从思想到技术,都与一定的物质生活条件密切相关。 艺术是社会需求的产物。 社会需求是具体的而不是抽象的。 社会需求具有明显的政治、宗教和经济属性。 因此,中国美术史的研究必须将研究对象置于三维的物质与精神关系之中。

艺术史属于传统的人文学科。 中国美术史的研究对象是历代的美术作品或图像。 因此,它与一般人文学科的研究方法是一致的,但同时又存在着明显的差异。 艺术史的研究与哲学史、宗教史、文学史的研究有共同点,尤其关注作品的社会背景、社会功能、传播渠道,及其与文化、信仰、种族等社会因素的关系。 、阶级、性别等等。与上面提到的人文学科中的一般方法没有本质区别。 但艺术史研究也有相对独立的方法。

艺术史的研究从图像和材料出发,这与文学、历史、哲学主要从文字出发的方式略有不同。 虽然文学、历史、哲学都开始利用图像来进行自己的研究,但重点仍然是文字。 所谓用图证明文字,用图证明历史,用图证明思维。 艺术史的图像研究必须以艺术史为基础。 艺术史研究的主要方法是对视觉图像或艺术作品的分析。 毕竟,艺术作品或图像属于视觉艺术,对其的研究方法首先是视觉形式分析,包括图像风格和风格的分析。 这通常被视为艺术史的“内向观点”,与艺术史的“外向观点”不同。 “不同。这包括对作品的主题、空间、构图、色彩、线条、​​笔触进行具体分析。要处理很多对立的概念,如具体与抽象、写实与写意、表现与再现等,二维与三维、时间与空间、现实与想象、隐喻与象征、观念与形式、思想性与物质性等等,但这些风格和图像分析如果脱离了现实的联系,就会变得“形式主义”。艺术既具有自主性又具有他律性,因此艺术史的社会学研究非常重要,研究不断变化的艺术文化必须考虑到政治和经济社会,社会是艺术史的资源和背景。 art creation, as well as the background for art appreciation, dissemination and criticism. The ideas behind art works and the spiritual needs of viewers are inseparable from people’s economic status and political demands. Marxist class analysis, social analysis and ideological research methods will allow us to deeply understand the social factors of culture and art, and grasp the spiritual attributes of the classes and strata of individuals and groups in various societies.

In addition, due to the activity of online image resources and the rise of visual culture research in recent decades, these new horizons and new methods have also had a certain impact or penetration on the study of art history. Some studies have connected previous methods, such as iconography, semiotics and anthropology, regaining the life of methods. In the past, traditional art history research focused on the study of elite art and ignored the study of mass art or civilian art. These research directions make up for the missing parts in the study of art and images, broadening the horizons of art history.

As a research method of Chinese art history, due to the particularity of its objects, some aspects are obviously different from the research methods of Western art history. In particular, freehand literati paintings and calligraphy are things and experiences that have never been seen in ancient European culture. The formal analysis of works requires a matching methodology. For example, “cracking method” and “qiyun” are concepts and art practices that do not exist in the West. Applying Western style theory and formal analysis is not completely applicable. The ideas of Chinese calligraphy, painting, sculpture, architecture and arts and crafts have their own set of internal logic, conceptual systems and expression methods. This must be grasped accurately and delicately in the process of studying and researching the history of Chinese art. It is also the reality of new methods. Demand and vitality.

Finally, we would like to point out the foothold of the study of Chinese art history. We understand the national characteristics of Chinese art history through effective academic sorting, cultural analysis and image interpretation. Why do Chinese artists always value nature? From the early images and patterns of animals and plants to the mature landscape paintings and flower-and-bird paintings in the later period, the characteristics of art in China are obviously different from those in other regions. Why does Chinese art have the method and practice of “freehand brushwork”? Has Chinese art made a unique contribution to the world? Why does Chinese art attach great importance to line drawing and ink painting? It constitutes the art history of unique ink painting. Why has the scroll form become the mainstream form of Chinese calligraphy and painting? What are the aesthetic differences between this expanded appreciation and the appreciation of Western single-frame oil paintings? Why does Chinese art pursue poetic expression? Often expressing emotions through objects. Why has Chinese art experienced a transformation in aesthetic standards from “divine quality” to “excellent quality”? What is the relationship between this and traditional philosophy and thought? What is the relationship between this and social changes? We should use these questions to deeply understand the characteristics of Chinese art history and its contribution to world culture.

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目录

介绍

Chapter 1 Art from Prehistory to Pre-Qin Period

概述

Section 1 Paleolithic Art

Section 2 Art of the Neolithic Age

Section 3 Art in the Xia and Shang Dynasties

Art in the fourth two-week period

Section 5: Fine Arts in Surrounding Areas in the Pre-Qin Period

结论

Chapter 2 Art in the Qin and Han Dynasties

概述

Section 1 Cities and Material Culture

Section 2 Tomb Art

Section 3 Art Exchanges in the Qin and Han Dynasties

结论

Chapter 3 Art in the Three Kingdoms, Two Jins, Southern and Northern Dynasties

概述

Section 1 The development of northern cities and changes in art

Section 2: The Art of Soochow, Eastern Jin and Southern Dynasties

Section 3 The Rise of Religious Art

Section 4 Chinese and foreign art exchanges

结论

Chapter 4 Art in the Sui and Tang Dynasties

概述

Section 1 Capital and Tombs

Section 2 Buddhist Art

Section 3 Art in Secular Society

Section 4 Ethnic Relations and Art Exchange

结论

Chapter 5: Art in the Five Dynasties, Liao, Jin, Song and Yuan Dynasties

概述

Section 1: Country, Imperial Power and Fine Arts in the Five Dynasties and Two Song Dynasties

Section 2 Literary Officials and Art in the Two Song Dynasties

Section 3 Capitals, Architecture and Multi-ethnic Art of Liao, Xia, Jin and Yuan Dynasties

Section 4: Court interest and the art of literati and officials in the Yuan Dynasty

Section 5 Religious Art

Section 6 Tomb Art and Secular Society

Section 7 The circulation of arts and crafts and fine arts in the Song and Yuan Dynasties

结论

Chapter 6 Art in the Ming and Qing Dynasties

概述

Section 1: Revival of Palace Art

Section 2 The Rise of the Southern Literary Group

Section 3 Regional Characteristics and Personal Characteristics

Section 4 Visual Culture during the Ming and Qing Dynasties

Section 5 Circulation and Market of Fine Arts

Section 6 Art Exchanges in the Ming and Qing Dynasties

Section 7 Religious Art and Tomb Art

结论

Chapter 7 Modern Chinese Art

概述

Section 1: The evolution and transformation of modern calligraphy and painting studies

Section 2 The introduction of Western paintings in modern times and the update of art publishing

Section 3 Overseas Students and the Establishment of Modern Art Education

Section 4: Construction of understanding of “Chinese Art” at home and abroad

Section 5: The spread of foreign literary and artistic trends and the development of the left-wing art movement

Section 6: The Anti-Japanese War Progressive Art and the Rise of the Revolutionary Art Movement Out of the Ivory Tower

结论

Read the literature

Translated names comparison table

后记

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后记

“History of Chinese Art” is a key textbook for the Marxist theory research and construction project. It was organized and compiled by the Ministry of Education and reviewed and approved by the National Teaching Materials Committee.

In the process of compiling the textbooks, we received guidance from the National Textbook Committee’s Expert Committee on Philosophy and Social Sciences in Colleges and Universities (MA Engineering), the Ideological and Political Review Expert Committee, and the Ministry of Education’s Original MA Engineering Key Textbook Review Committee. At the same time, opinions and suggestions from university teachers and students were widely listened to.

This textbook is presided over and compiled by Yin Jinan. Introduction, Chapter 6 Overview and Conclusion, written by Yin Jinan; Chapter 1 Overview, Section 1, Section 2, Conclusion, Chapter 3, Chapter 4 Overview and Conclusion, written by Zheng Yan; Chapter 1, Section 3, Sections 4 and 5 are written by Zhang Chong; Chapter 2 is written by He Xilin; Section 1, Section 2, Section 3 and Section 4 of Chapter 4 are written by Zheng Yimo and Zheng Yan; Chapter 5 Overview and conclusion, written by Li Qingquan; Chapter 5, Section 1, written by Shao Yan and Li Qingquan; Chapter 5, Section 2, Section 4, Section 7, written by Shao Yan; Chapter 5, Section 3, Section 5 Chapter 6, Section 6, written by Zou Qingquan and Li Qingquan; Chapter 6, Section 1, Section 4, Section 7, written by Huang Xiaofeng; Chapter 6, Section 2, Section 3, Section 5, written by Yin Jinan, Written by Huang Xiaofeng; Chapter 6, Section 6, written by Wu Xueshan; Chapter 7 overview, Section 3, Section 4, Section 5, Conclusion, written by Cao Qinghui; Chapter 7, Section 1 and Section 2, written by Yu Yang; Chapter 7, Section 6, written by Zhou Aimin.

2019 年 6 月 6 日

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Key textbooks for Marxist theoretical research and construction projects

中国美术史

“Chinese Art History” writing team

Higher Education Press August 2019

ISBN 9787040518184 Price 73.00 yuan

Department of Cultural Heritage, School of Humanities, Central Academy of Fine Arts

作者 admin